幽灵马车

1895年，卢米埃尔兄弟的《火车进站》问世，标志着电影正式诞生。

之后乔治·梅里爱和埃德温·鲍特让电影改变了电影的叙事结构，拍摄方式，以及剪辑方法，让电影正式成为艺术。

1915年，大卫·格里菲斯的《一个国家的诞生》上映，打破了之前逢电影必短片的模式，电影有了现在长片的样子。

而1921年的《幽灵马车》距电影始于格里菲斯才区区六年，在电影初具雏形的时候又让我们见识了一部伟大的电影。

库布里克执导的《闪灵》中斧劈木门，“Jonny is here”的名场面来自《幽灵马车》。

伯格曼的《野草莓》《第七封印》借鉴于这部电影，《幽灵马车》同时也是伯格曼最喜欢的电影。

据说看了不下1000次，更是将该片导演维克多·斯约斯特洛姆奉为给自己传业授道的老师。

当年如果维克多不参演《野草莓》，这个项目便无限期停工，可见《幽灵马车》对伯格曼的深远影响，也足见维克多·斯约斯特洛姆的伟大。

毕竟瑞典电影自维克多之后，再次走进世界电影史，要等到50年代的英格玛·伯格曼了，《幽灵马车》的影史地位再度彰显。

《幽灵马车》以多次曝光制造出叠影的效果远胜于乔治·梅里爱，后者的特效仅限于室内，而维克多将特效带到了室外，融于自然当中。

片中所运用的交叉蒙太奇和平行蒙太奇的剪辑方法较为成熟，与埃德温·鲍特相比更胜一筹。

尤其是男主被女主锁在厨房，男主用斧头劈门的那段平行蒙太奇，让紧张的氛围感极其浓烈，怪不得连库布里克都要模仿。

至于《幽灵马车》的剧本结构和人物刻画比大卫·格里菲斯使用的还要娴熟。

《幽灵马车》中男主浪子回头、弃恶从善、自我救赎的心理转变过程，导演维克多的描绘细致入微，变化层层递进，情绪由浅入深，让观众得以共情。

故事以五幕剧的方式展开，辅以倒叙和闪回再闪回的表现手法，让电影变成了三层叙事结构，颇有早期多线性叙事的样子。

这种结构的高明之处在于故事精彩纷呈，杂而不乱，完整程度高。

如今100年过去了，电影的技法越来越多了，可导演们却越来越倒退了，他们连单线故事都讲不明白，更别说《幽灵马车》中严丝合缝、环环相扣的多重叙事了。

不知这是电影的幸事，还是坏事，发展了百年，回过头依旧在原地踏步，电影果然如戈达尔所说，“电影始于格里菲斯，终于阿巴斯。”

Gud, låt min själ få komma till mognad,

Innan den skall skördas!

让我的灵魂在收获以前成熟起来

牺牲自己的需求 对世界却毫无所求

我只有在今天才发觉如此爱你

维克多对情感关系的捕捉十分熟练,而修女和男主的相爱就像是重磅炸弹在观众本来已经伤痕累累的心情变得更加急迫更加担忧

惊艳，很难想象这是一部出自无声电影时代的杰作！

这是一部刚好是发生在100年前的电影，20世纪初，欧洲已经进入电气化时代，所有工业都受到科学的影响。电影也不例外，《幽灵马车》虽然是改编自小说，但导演维克多•斯约斯特洛姆用了一些摄影的技术手段，以及丰富的电影语言和表现手段，增强了影片的观赏价值。

首先是剧本的结构方面，导演使用了插叙的叙事手法，把故事用一系列错综复杂的闪回手法游走在过去、未来、现在三层时空中，把梦境和现实、清醒和恍惚、陈述的语气和条件语气之间进行了割裂，而且深入到人物的深层心理空间，通过丰富的想象力以及创造力的挖掘，使电影具有批判主义色彩。值得一提的是：影片中的暴力场面和自然主义的哲学观、基督新教和民间传统神秘主义鬼怪场面，因为其鲜明的对比而使电影的风格更加突出。

除此之外，影片在现实主义（主要是社会问题、道德问题）层面也有深刻的批判态度。小说原作宣扬的是：生活必然要受严格的信条约束；而导演通过对主人公道德沦丧的改编，进行了抨击和批判。 19世纪初瑞典酗酒的不良风气在社会上蔓行，导演安排了一场戏进行讽刺，三个男人在大街上喝酒，刚开始气氛融洽，到后来莫名其妙因为一点小事就大打出手，还把人差点打死了。

摄影方面使用了特殊照明、多重曝光等多种技术手段，室内室外的冷暖色调对比，营造出一个魔幻、虚幻的电影美学空间。

插个有趣的题外话：李安是伯格曼的忠实fans，李安有个著名的表情包“虽然我看不懂，但我大受震撼”的源出处纪录片《寻找伯格曼》中，李安的其他几个导演去瑞典的一个小岛上拜访多年深居不出的伯格曼，李安一见到伯格曼就激动哭了；而伯格曼是维克多•斯约斯特洛姆的忠实fans。原来瑞典导演伯格曼居住的小岛，那个房子是他的偶像斯维克多•约斯特洛姆去世的地方，而36年后，维克多在伯格曼的野草莓中饰演了年迈的医学教授而使影片名留影史。🎭

当电影技术开始慢慢的陷入停滞之后，电影的艺术性便被无限延伸了，但即使是无限延伸，电影依旧是陷入了发展瓶颈。自电影诞生之日起，历代电影人们一直都面临一个难题，既想要技术上精益求精，又要在艺术上不甘人后。然而对于当代电影人来说，两者的权衡显然会让人更纠结，然而在电影事业刚刚步入快车道的时候，那些曾经的艺术大师们却会想方设法来让电影多一些可能。

今天给大家推荐的电影，就是一部划时代的恐怖片，很多我们所熟悉的大导演，曾经都在本片中找到灵感。这就是黑白默片时代的一部非常经典的恐怖片《幽灵马车》。这部非常经典的恐怖片说的是一个与基督教有关的救赎的故事，一个修女爱上了一个流浪汉，然而流浪汉之所以流浪，目的在于寻找自己离家出走的妻子。妻子之所以离家出走，因为流浪汉酗酒和家暴。但就是这样一个酗酒和家暴的流浪汉，修女却对他心生爱意。一心想要救赎他的修女走上了一条感化流浪汉的路。然而这条路的尽头却是悲剧。

对众生施以援手的修女积劳成疾，她患上了肺痨，弥留之际久久不愿意离去，即使是死神过来招手她也不愿意闭上眼。因为自己期待被感化的流浪汉依旧没有让她放心。死神因此找到了流浪汉并将他的灵魂带到了修女跟前。修女为死神讲述了自己对流浪汉所做的一切，这时候终于让流浪汉良心发现，他来到修女跟前，修女心满意足的离世了，受到感化的流浪汉回到了自己的妻儿身边开始悔过自新，重新做人。

这并不是一个非常复杂的故事，当然，这是站在当今的观众的这一边来衡量的。然而我们不能忽视的是本片所诞生的年代是1921年，那个时候的电影远没有今天这样丰富多彩的摄影技巧以及叙事逻辑。然而在那样的环境下，本片依旧是采用了多线叙事的方式完成了这样一个在今天看来很严谨的故事，这就显示出来本片的独到之处了。

或许我们今天的观众并不认为本片的故事有多么的感人，然而在那样的时代，在那样的大环境下，本片能用这样一种叙事逻辑勾勒出来，本身就是一种奇迹。因为之前并没有这样的先例来遵循，因此，本片才分外吸引人。

如果只是叙事逻辑的新颖，本片或许并不能成为那个时代的佼佼者，然而在叙事逻辑之外，本片的摄影技巧足以证明那个时候人们的想象力以及行动能力。在没有电脑特技的时代，如何将实景和虚拟世界结合起来，这似乎是考验一个导演对于电影技术的领悟能力。然而本片的导演并没有被当时现有的技术条件所限制。他依旧是采用了一种很大胆的方式来完成了对于幽灵的塑造。

“虚影叠化”，这是本片之后诞生的一种技术手法，这种技术手法对当时的电影发展提供了一种新的技术可能。而这种先进的技术促使此类型的影片不再拘泥于形式，就如同电脑技术的发展与电影结合起来以后产生的强大推动力一样。在当时，在本片拍摄的背景之下，这项新技术无疑是超越了整个时代的。

技术方面的成就是如此的强大，然而比技术更加强大的是本片的影响力，在这之后，很多我们耳熟能详的导演们，比如说伯格曼，比如说库布里克，都不同程度的借鉴了本片中的一些镜头。《闪灵》中的挥斧头砍门，《野草莓》中的回忆片段等等，都能在本片中找到一些影子。我们之前所崇尚的大师都会从本片中偷师，这足以说明《幽灵马车》在他们心中的地位。

然而大多数时候，优秀的技艺是没法延续性的传递的。处于发展期的电影艺术在二十世纪四十年代前进行了突飞猛进的发展之后，不久便陷入到了停滞阶段。一直到二十世纪八十年代，电脑技术与电影艺术完美结合后，技术方面的想象力，在电影人之间已经渐渐的停滞了，没有人愿意用单纯的电影语言来想方设法地发挥出来最大的效用，反倒是一味的追求电脑技术来提升电影艺术，这种依赖型的心理使得大多数的电影人开始陷入到了技术怪圈，一方面，特效技术使得电影的类别极大的丰富，另一方面，特效技术带给电影的艺术性却陷入了瓶颈。以至于提到特效，我们能想到的全都是商业大片。

技术的借用如果脱离了艺术的本身，那么就会对艺术产生副作用，毫无疑问，当今的电影艺术与电脑技术的结合就是这样，因此，《幽灵马车》似乎更符合电影艺术的追求，在借用当时的电影技术，并将其发挥出来最大的效用之后，《幽灵马车》依旧是严格遵循电影艺术性的根本。这一点难得可贵。它极大的丰富了视听语言的同时，并没有破坏整部电影的完整性，或许这对于后续的探索型的导演是一种启示。

技术与艺术该如何融合？这部1921年的电影给出了答案，然而有多少人愿意借鉴？

……

你好，再见

Made nearly a century ago, THE PHANTOM CARRIAGE is one of Victor Sjöström’s many pictures adapting Swedish novelist Selma Lagerlöd’s works, the very first female Nobel-winning writer, and it has been restored to its optimal condition with a freshly contemporary and throbbing score confected by electronic duo KTL. Beginning in medias res, the narrative takes place on a New Year’s Eve, as the young Sister Edit (Holm) of Salvation Army is in extremis after being contracted with consumption for one year, her dying wish is to speak to David Holm (Sjöström himself), a ne’er-do-well middle-aged drunkard. Cross-cut is expeditiously applied to facilitate the unfolding story in company with layered flashbacks to introduce the urban legend of Death’s carriage, and the one who dies in the last minute before the New Year, will have to drive the carriage and collect dead people’s souls for the next year. And during a dust-up, David is struck dead right before the midnight, and his apparition rises above his prostrate body when the incumbent driver George (Svennberg), a friend of David, arrives with the said carriage and announces that he will be his successor. Further flashbacks show David’s blissful life with his wife Anna (Borgström), their two toddler children and his brother (Axelsson), which is shattered into pieces when he is imprisoned for drunken and disorderly, his brother commits murder under both his and alcohol’s pernicious influences, a distressed Anna severs the tie and skips town with their kids. When he is released from the jail, an aggrieved David swears vengeance to Anna and roams the whole country to look for her, finally fetches up in the town where he is taken as the first visitor of Sister Edit’s Salvation Army mission on the previous New Year’s Eve. David’s unrepentant obduracy doesn’t dissuade Edit from seeking out any smidgeon of goodness in him, even she contracts consumption from him, Edit’s holy halo never descends into the rank of an ordinary being, she is consecrated for her unmitigated devotion and benevolence, at one point, even claims David is the love of her life, certainly she doesn’t mean carnally, but that overstretched sanctity and do-goody righteousness can sound jarringly sanctimonious a century later when ethos has been long shifting from that interwar time. While this prim-and-proper, spiritualistic parable has no trouble proselytizing its sage moral tenets to and eliciting cordial commiserations from its audience (Ingmar Bergman credited it most influential for his oeuvre, he also made WILD STRAWBERRIES with Sjöström, the latter’s crowning swan song), THE PHANTOM CARRIAGE is, more influentially in retrospect, acclaimed for its avant grade special effects of the dead walking through closed doors and passing by oblivious living beings, by arduously utilizing double exposures to achieve a consistently flickering, superimposable effect. Also we might locate the progenitor of the galloping horror from a hatchet hacking on a closed door. Enabled by an affectively skilled cast - Sjöström effuses a fierce intensity with David’s duality dangling between cynical callousness and abject repentance; Astrid Holm and Hilda Borgström are also exceptional in their respective physical expressiveness, and Tore Svennberg’s scythe-wielding, cloak-donned imagery is certainly the inspiration of our collective imagination of the Grim Reaper - and a tempo that keeps its story engaging (especially the nail-biting climax), THE PHANTOM CARRIAGE comes off as one of the pioneer works of early cinema grandeur, an unalloyed Nordic wonder that can rival any Hollywood commodity of its time, and run away with it. referential entries: Ingmar Bergman’s WILD STRAWBERRIES (1957, 8.9/10); F.W. Murnau’s SUNRISE (1927, 9.0/10).