乱战国语

“我要从上天俯瞰苍生的角度来拍这部影片。”

这是一部，我无法予以评价的电影，因它的气象在我的能力之外，而我却跳不出它的离乱人间。于是我仰望它，就如仰望苍穹，以一个蝼蚁似的角度。

这里有一个女子，苍白凛冽，她的脸总让我想起蛇，咝咝吐信的那种。她是一张活的能面，举止也似扯线的傀儡，语调在空寂的地方飘，只有展袖落座一瞬，白衣翩然，姿态若蝶，说不出的寂美。

但她献帽行刺那一刻又是如此迅疾，果然是蛇一样的防不胜防。疯狂和冷静极度并存于她的身上，当她一步一步靠近，可笑的男人只有后退。

枫。

最后她的血飞溅三尺，竟作风声。

其实她心愿已偿，早不在乎。

一卷佛像坠落悬崖，悠悠堕入黑暗。

那正是世间。

    对于有着宏大背景的史诗片，我总是非常喜爱，气势磅礴的气氛中，英雄的豪情总是让人荡气回肠。黑泽明这部《乱》有着史诗片的背景，但是它并不是一部让人看了生出豪情，或是悲情的影片，在史诗的背景下黑泽明更多的是展示着人性的扭曲与脆弱，在一场东方背景下的李尔王式的故事中，展开着普世性的人性思考，显得深沉而沉重。
    影片的故事架构上采用了莎士比亚的著名悲剧《李尔王》，根据日本的历史文化，于东西方的结合中表现出世界性的感染力，我想这也是该片大获好评的重要原因。黑泽明善于讲故事，尽管《李尔王》本身就是一个足够丰富的故事，但是往往一个同样的故事，不同的人讲述会有不同的效果，何况导演只是借了个壳，更多的内容是他自己的思考，正因为如此，黑泽明的片子虽然很多都比较长，但总能让人耐心看完，这个功夫确实不简单，很多导演在片子里渗透了他的或许很丰富的思想，但是由于片子故事性不强，使影片只能成为一部学院电影，无法让他的思想影响更多的人。
    故事架构很简单，老迈的枭雄秀虎欲将领土分给三个儿子，希望他们同心协力继续家族的伟业。但是事与愿违，这导致的是家族的分裂，小儿子被驱逐，而秀虎则为两个儿子所不容，长子和次子间又尔虞我诈，最终家族在分裂中走向衰亡。片中，秀虎是一个复杂的人物，他在年迈时对孩子们充满了希望，希望他们能团结一心，而结果却令他心痛，从秀虎分权希望安度晚年到他被儿子们驱逐这段进展之快令人咋舌，秀虎顷刻之间就从一个王者成为儿子们可以轻易摆布的“可怜人”，在这个时候，我不禁要问这是为什么？随着影片的进展，答案得以渐渐清晰，实际上，孩子们正是在做秀虎曾经做过的事，这位老人曾经便是凭着残忍无情获得了枭雄的地位。所以，当他成为孩子们不择手段的榜样时，他再试图让孩子仁义忠孝就是一件一厢情愿的事了，片子从秀虎的命运中透出一种宿命论的色彩，秀虎成于无情也毁于无情，终于他凭借无情铸造的领土成为了无情的领土，并且在无情的战火中被毁灭。秀虎家族的命运表现出浓重的东方特色，这样的故事无论在日本，在中国，都已经发生的太多，权利的争夺造成的人性扭曲发挥出巨大的杀伤力，同时又表现出巨大的“生命力”在历史中顽强的存活，让悲剧不断上演。
    片中秀虎长子的夫人枫君是一个重要的角色，她很充分的表现了在一个动荡的年代，在一个扭曲的环境下人的思想轨迹。她本是一位诸侯的女儿，但是其家族被秀虎所灭，从她哀宛的叙说中可以想见那一定是个残酷的过程，而这也难怪她心中会潜伏复仇的火焰。在仇恨中，她在疯狂中表现出惊人的冷静，而她也从秀虎身上学到了不择手段的精髓，所以她在进入昔日家族的城堡后要唆使丈夫将仇人秀虎逼入绝境；所以在丈夫太郎死后，她进而去勾引丈夫的弟弟二郎；所以她要激将二郎将三郎刺杀同时跳起一场诸侯的战争毁灭曾经毁灭了她的家族的这个家族。正如她在生命中的最后言说，她要让这座昔日家族城堡被烧毁，一种玉石俱焚般决绝的仇恨令人悚然。起初，观众或许还会有种诸如“最毒不过妇人心”，女人误国这样的想法，但是细心体会她的命运我们就不难理解她的选择，在战乱年代，女人的命运往往不由她们选择，她们要么如二郎原配夫人那样忍气吞声，将仇恨消解于宗教的寄托中；要么就如枫君一样走向另一个极端不择手段的复仇，同时背负起后世的骂名，而这已经与她无关，她成功了，她目睹了仇人家族的灭亡，惨烈的死去。
    影片中秀虎家族的故事虽然出于虚构，但是故事时时表现出真实，权力的争夺，家族的兴衰，女人的命运，复仇的故事，战场的厮杀，无一不是真实世界的反映。片中没有英雄，没有死前高喊“自由”的华莱士，只有出自人性的赤裸裸的权力争斗，片中每个人都有着可怜的一面，每个人似乎又都不是无辜的，他们的悲剧命运似乎是因果的必然，或许只有秀虎身边那个小丑是无辜的。黑泽明出色的营造了一种悲剧性的效果，战场上士兵的绝望，悲怆的音乐，浓重的色彩，无不透出一种震撼性的效果。同时，该片给我留下深刻印象的还有人物装束的色彩，如各方士兵的色彩都很浓重，哪怕是白色都显得很刺眼，士兵在浓重的装束下在显得有些暗淡的城堡中搏杀时，那种惨烈的效果就非常明显了。是的，浓重艳丽的色彩总会给人的视觉很大的刺激，特别适合营造气氛，就如片中很多人物总是在艳丽的服饰或是气魄的盔甲下死去，那种浓重色彩的凋零总是更让人心恸。
    黑泽明后期的电影更多的渗透着思考，渗透着人文精神，就如在这部《乱》中，他揭示着人性，并沉重的思索。片中末尾，活下来的只有曾经被秀虎残杀的家族的一位盲人后裔，他是“无害”的，他是普通的，所以他活了下来。“乱”中虚构的时代是一个动荡的年代，片中时刻弥漫着“乱”，混乱的战场，混乱的伦理，混乱的家族，混乱的人性，在“乱”中，一个貌似强大的家族走入坟墓，留下的是一座座城堡的废墟。

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第一次接触《李尔王》剧本我尚在初中，当时我几乎看完了39部莎剧剧本，因为太小，只觉得莎翁戏剧里充满着冗余的台词而难以阅读。
就在前段时间，我再次读了一遍《李尔王》（朱生豪译本），过年前顺手看了国家大剧院制作的《李尔王》，在回京的高铁上用IPAD看了改编于李尔王的黑泽明电影《乱》。

与其说是《乱》改编自《李尔王》，不如说是黑泽明在另一个时空维度内重新写了一部史诗巨著。《乱》除了借用《李尔王》的故事架构外，在故事细节、人物刻画、艺术形式等方面均与《李尔王》有着很大的区别，而以上的不同，最终是因为两部作品所表达的思想内涵不同。

《乱》专注于挖掘人性的丑恶，并反讽主流价值观，在一定程度上也讽刺了理想主义；而《李尔王》除挖掘人性丑恶外，通过理想化人物考迪利亚的塑造热情的歌颂了人文主义，在肯特身上也有鲜明的人文主义，李尔王自身也从一个刚愎自用一意孤行的封建君主，变成了一个仁爱的、同情人民疾苦的人文主义者。

为了更专注的挖掘人性丑恶，并讽刺理想主义，黑泽明做出了如下改编：

1、全片最大的改动即删除了葛罗斯特及其两个儿子爱德伽、爱德蒙的支线剧情，并加入了与爱德蒙有些接近的角色枫夫人，因文化因素所限枫夫人作为女性，不可能像爱德蒙一样独立自主做坏事，她只能利用男人，从而使得剧情更加紧凑，矛盾更为集中；

2、主角背景不同：《乱》中有交代秀虎背景，他出生在一座小城，征战多年、杀人无数、不择手段才得以统治一国，以下克上发迹的他是见识过人性丑恶的，却理想化的相信把实权交给儿子后自己的地位依然可以保持；《李尔王》中没有交代李尔王的背景，李尔王只是一个封建国王；

3、故事起因不同：《李尔王》起因于考迪利亚不愿像两个姐姐一样对李尔王阿谀奉承，被李尔王剥夺继承权，表达了作者的人文主义理想；而《乱》起因于三郎告诉父亲秀虎真相——你自己就是通过以下克上不择手段而发迹，怎能相信儿子在得到领土后还会乖乖服从你，三郎深谙人性，认为主流价值理想并不能约束人的欲望，从而忤逆了相信主流价值理想的秀虎而被剥夺权利。这里我们可以看到，《李尔王》歌颂人文理想，而《乱》讽刺理想主义；

4、矛盾更加尖锐：《李尔王》中高纳里尔与里根的军队并没有直接进攻李尔王，她们进攻的是考迪利亚所率领的法国军队（只是李尔王恰好在军中而已），名义上是两国战争；而《乱》中太郎、次郎亲自率领军队直接进攻父亲秀虎，并放火烧城，企图逼迫秀虎切腹；

5、所揭露的人性更加丑恶：因文化原因，《李尔王》中高纳里尔与里根不存在从属问题，二人在李尔王问题上一直很团结，直到最后才因争夺爱德蒙而相互残杀；《乱》中因文化原因次郎从属于太郎，能力方面次郎却强于太郎，一开始就为争权夺利埋下了伏笔，后来次郎在与太郎联合进攻秀虎时，直接就地杀了太郎，并夺取了太郎的位置与妻子枫夫人；

6、艺术手法不同：《李尔王》大量借助自然意向，比如李尔王发疯前的暴风雨，搭配着大量台词，与李尔王此刻复杂矛盾的心情完美结合，李尔王因自己的刚愎自用专制独行得此命运；《乱》则借助现实意向，秀虎战败于自己发迹的三城，城池在燃烧，秀虎却一言不发，自己以下克上不择手段发迹于此，却因儿子们的以下克上不择手段终结于此，秀虎因自己对人性理想化的信任而得此命运，此时无词儿胜有词儿；

7、悲剧手法不同：《李尔王》中考迪利亚带来了法兰西军队，并与李尔王、肯特等人会合，正在观众充满希望之时却不幸战败被俘，在观众紧绷着心的时候又被爱德蒙处死，使人不禁悲叹；《乱》中三郎的军队在一次酣畅淋漓的战斗中大获全胜，正当观众兴奋之时三郎却突然被狙击而死，剧情直转急下，令人感慨造化弄人；

8、结局不同：《李尔王》虽然是悲剧，李尔王与考迪利亚都死了，但最后爱德伽、奥本尼公爵、肯特伯爵等正面角色都还活着，这个结局给人以希望，作者以希望的结局表达了人文主义理想；《乱》也是悲剧，不仅秀虎、三郎死了，最终诸侯军队在城中各种混战，这个结局给人以失望，甚至绝望，作者以这样的结局表达了对理想主义的讽刺及对现实的尊重。

最后，《乱》是一部非常优秀的作品，它通过类似《李尔王》的故事架构，充分融合日本古代的历史与文化，针对《李尔王》的一个思想内涵不断深挖，并讽刺了主流价值理想，充分表达了现实世界是什么样的。

我在想，如果三郎跟秀虎最后还活着，三郎统治了这片土地后，即便是深爱父亲的他还会继续保持父亲的地位吗？

引言

日本大导演黑泽民的<乱>为一部改编自莎翁着名悲剧＜李尔王＞的成功作品，不但是黑泽民电影中最被广为讨论的作品之一，更可说继1950年<罗生门>后， 黑泽民电影获得最多奖项及最高荣誉的一部作品。在电影艺术门类中，＜乱＞已获得如下奖项的丰厚肯定：（略，請自行百度）

        在本文中将先从黑泽民与<乱>的背景开始着手介绍，在此部分将多所着墨于黑泽民的背景与性格，以此观察進一步讨论作品中的个人特色，进而分析<乱>与<李尔王>之比较；再进一步引论朱光潜<悲剧心理学>进行对观众欣賞作品時的心理分析，论述<乱>是否具有悲剧要素；最后讨论以一部改编作品而言，在悲剧的地位上是否与＜李尔王＞产生的重复效益，或是另辟新的悲剧艺术价值，总结本文。

壹、 背景: 黑泽民与<乱>
    甲、 黑泽民 (Akira Kurosawa, 1910-1998)
         一、 生平與心理分析（略，請自行百度）
         二、 创作风格与思想、心理活动（略，請自行百度）
         三、 影史成就与影响（略，請自行百度）
     乙、 <乱>（略，請自行百度）

貳、 分析: <乱>与<李尔王>之比较
    甲、 黑泽民的心理活动分析及其投射在<乱>中的表现

黑泽明的影片都是先画好图，再根据画面拍摄。＜乱＞的草图有几百张，并且都是以油画进行创作。＜乱＞令黑泽明着了魔，他経常陷入幻想，满脑子都是他要拍的影像。影片的结尾是一场预言式的血腥大屠杀，这唤起了黑泽明脑海深入最可怕的童年记忆－對大自然的恐懼。
在＜乱＞中，随着秀虎父子之间由分裂、对立终致骨肉相残的情节发展，影片向我们展现了一系列预兆吉凶的云：影片开头浓云漫卷、奔涌不已，远处出现雷雨的征兆，远远传来雷声的画面，预示着将有不寻常的事件发生；当秀虎将大权交与太郎、又赶走真心爱他的三郎时，暮云将掩落日，残阳如血，使人感到不祥的预兆；而当惨剧终于发生，黑云似吞噬人的龙一般扑来、翻滚狂奔，大颗的雨点打来、电闪雷鸣，这一组浓淡不同、变幻莫测而又极富隐喻色彩的云，同明与暗交错的阳光及辽阔而沉寂、荒凉而寥落的草原一起，构成一种上苍在俯视这幕人间惨剧的效果。
黑泽民的武士道情节，在<乱>中亦能发现。当次郎与太郎勾结，集结重兵对亲生父亲发动突然袭击，秀虎的亲随全部被杀，妻妾相继自尽时，一人独上燃烧的城楼静思，正在观众猜测他是否会切腹，他起身走下楼，在两个儿子的大军包围之下，缓步出城。在万念俱灰的绝望之中，支撑他这么做的，是一种甚么样的力量？以我个人的推测，应该不是人类求生的本能，而是希望能活着向三郎道歉，希望能做些什么来弥补自己错误决策的过失。在精神崩溃的压力下，是武士道忍辱负重的精神，支持他活下来、走出去，在影片最后三郎被枪击死亡后，他抱着三郎绝望而终，即证明了三郎是他唯一的精神支柱。反向思考，黑泽民在电影事业与婚姻皆失意的当时，曾企图自尽，是否回应了他的精神支柱并不存在，或是他真正的精神支柱－他崇拜的哥哥－早已辞世，做为欲代替哥哥完成电影梦想的＂影武者＂，是否可推论为，因感觉自己已无力再继续此一事业，故了无生意？

乙、 <乱>与<李尔王>之比較

黑泽明是日本最为西化的一位导演，这不仅体现在其电影作品先进的拍摄手法，更体现在他创作电影时的素材来源，莎士比亚、高尔基等世界文豪的作品多次被黑泽明以日本民族的文化方式搬上荧幕。<乱>的剧情大部分改编自莎翁名剧<李尔王>，在所有改编自莎剧的影片中，只有黑泽明把戏移植到中世纪的日本背景，而且被西方影评家称为“最优秀、最准确地表现了莎士比亚原作精神的影片”。黑泽明这次吸取了之前同样是改编自<麦克白>的<蜘蛛巢城>不成功的教训，＜乱＞在秉承莎剧一贯思想精神的同时，始终不忘坚持日本民族精神固有的魂。基于这一点，我们便看到了日本战国时期一代霸主毛利元就的事迹与<李尔王>剧情的完美结合，目睹了一出父子兄弟相残、家族毁灭的悲剧，体会到了权力欲望中展现的人性"恶"的惊心动魄。
　　将莎剧搬上荧幕，面临的最大的难题便是如何自在影片中合适的保留舞台剧的风格。幸运的是黑泽明凭借高超的电影技巧出色的解决了这一难题，为了最大限度的保留舞台剧的风格与魅力，影片的场景大部分采用中景和远景拍摄，很少给演员长时间的特写镜头，尤其是秀虎的特写镜头更是少之又少，在他最落魄的时候，一般电影处理的方式，镜头会做演员的脸部特写，将观众与演员的距离拉进，让观众仔细看一看他那张绝望悲痛的面孔，但影片的镜头却始终和秀虎保持一定的距离。
电影与舞台剧有着根本型式上的不同，但黑泽民的电影却有着舞台剧的神韵；舞台剧那有限的舞台空间与布景效果， 使观众的注意力集中于演员与剧情本身，而非文学式的、恢弘的、可驰骋想像的壮阔场景；在＜乱＞中，随处可见舞台剧一般唯美的画面佈局，画龙点睛的场景，观众的注意力总是在剧情线与演员的表现力而非大场景的气势上，这一点与观众在观赏舞台剧时是十分类似的。
除此以外，<乱>亦运用了前文提及的，黑泽民一贯的东方美术绘画的"留白"技巧。影片中用高山、草原来代替绘画中的空白，人物则被置于画面中狭小的空间内，人物的渺小与大自然的威严壮阔形成鲜明的对比。这构图方式既能够奠定影片的史诗风格，又能够制造舞台剧的效果。
莎剧的最大魅力就在于其对人性的深刻揭示，脱胎于莎剧经典的<乱>在这方面自然也是毫不逊色。事实上，黑泽明的影片一直体现着他深切的人文关怀情素，影片大多具有十分强烈的影象感和深刻的道德观念与哲理，<罗生门>、<七武士>、<梦>无一不是振聋发聩的"人性巨作"。
黑格尔曾说，恶是历史前进的原动力。这句话用在<乱>的剧情上可谓是至理名言。同於<李尔王>与三位公主分权，影片的剧情由秀虎的两个儿子大郎和次郎为争夺王位而引发的斗争展开，人性中的恶－权力欲望－一直推动着剧情的发展。如果大郎和次郎对于权力的无穷欲望导致了他们不顾血肉之情，杀兄弑父代表了人性中的"全恶"，那么为了复仇不顾一切的枫夫人则在恶的程度上远不及大郎二郎来的彻底，而为点切身利益就背叛秀虎的两个侍臣就是那种卑鄙猥琐的小人了，与他们形成鲜明对比的是由平山、狂阿弥，末夫人和三郎组成的善的阵营。平山、狂阿弥所代表的是忠诚不二、刚正不阿的善，而一心向佛的末夫人和善良直爽的三郎所代表的则是天生的"全善"；在角色的安排与剧情结构上，除性别对调之外，包括弄臣与忠臣贯穿全剧，<乱>与<李尔王>是几乎同调的。
影片的结局保留了莎士比亚悲剧的一贯特征：罪恶的人、善良的人、该死的人、不该死的人都死去了，只把无尽的思考和感叹留给了观众。而观众就像影片中的秀虎，用自己深邃的双眼，看清了这个世界的善与恶， 看透了人性。

參、 论述: 以朱光潜<悲剧心理学>分析<乱>
      甲、 朱光潜<悲剧心理学>（略，請自行百度）
      乙、 針對<乱>的引用
前文曾论述，由于＜乱＞的拍摄形式创造了观众与观赏舞台剧同样的观赏心理，因此在悲剧本质的价值上，便可以降低电影与舞台剧于形式上价值的差异；让观众与演员保持距离，创造了朱光潜提及的＂悲剧审美＂的条件：让观众意识到自己是在做＂悲剧欣赏＂，而非如一般的电影，是创造＂梦＂一般的集体无意识心理；舞台剧式的拍摄手法与画面结构，拉高了＜乱＞的艺术价值，并强调了悲剧美感。
將朱光潜<悲剧心理学>中的綜述對比至＜乱＞：
          1. 心理距离：＜乱＞的背景发生于日本战国时虚构的统治者一文字家族；＜李尔王＞日本版的统治阶级的权谋斗争，离观众自身的社会地位是遥远的，其次战国时代在时间距离上足够的长，并且除了日北观众之外，对其他国家观众而言，空间距离也足够遥远，因此对西方国家而言，比我们将会有更多的心理缓冲区，能隔岸观火地投入审美。
          2. 命运：由于来自＜李尔王＞与＜毛利元就＞，我们知道，他们必定会死，从一开始即如此，始终不能改变，不管他们如何努力，并且这個命运在导演对大自然的描绘下，更多了由上天決定的不容反抗。
          3. 崇高与惋惜：故事中忠臣、弄臣所代表的忠诚不二的善，与末夫人和三郎所代表的"全善"，都如同＜李尔王＞角色中的人物性格，因为纯粹，所以崇高，而因为如此崇高的角色的悲惨命运，更加強了悲剧的美。


肆、 结论
以一部改编作品而言，＜乱＞在悲剧的地位上是否与＜李尔王＞产生的重复效益，或是另辟新的悲剧艺术价值？以下将以其它改编作品为例，进行讨论。
＜罗密欧与茱丽叶＞是一个典型的例子，近代较着名的改编版本有＜西城故事＞、＜殉情记（Romeo and Juliet）＞与＜罗密欧与茱丽叶之后现代激情篇(William Shakespeare's Romeo + Juliet)＞。＜西城故事＞以当时的纽约移民社群为参考，使描述故事的过程充满了现实与讽刺的意味，这多少也反映出战后美国社会快速成长的背后，所隐藏的种种问题：种族歧视、青少年犯罪、暴力和文化代沟。＜西城故事＞有音乐剧与电影的版本，都是动感的歌舞，其中电影版把纽约式街头舞和芭蕾舞两种新旧不同风格的舞蹈动作，把传统优雅的韵律美与新生代强调释放自我、奔放自由的跃动感完美的结合。再加上剧情以纽约曼哈顿西北部贫民区为题材，歌舞等场面都以街头巷尾的真实环境实地取景，不忘强调其生活化与现实性，使得影片充满时代的活力与气息。不论是歌舞剧或电影，其中在形式上都与舞台剧＜罗密欧与茱丽叶＞大相迳庭，其中的动感元素便大大的消弥了悲剧的静谧性，但却相对创造时代感与生动感，因此在评论＜西城故事＞时，评论不会使用＂悲剧价值＂做为探讨重点，而是将其成就放在舞蹈与音乐，这点与＜乱＞是不同的，因＜西城故事＞的悲剧价值在＂心理距离＂上已经消失，并且不具＂崇高＂感，只剩下＂命运＂因素，＜乱＞的悲剧美感却仍旧存在。
＜殉情记（Romeo and Juliet）＞与＜罗密欧与茱丽叶之后现代激情篇(William Shakespeare's Romeo + Juliet)＞，其中后者故事发生在现代，地点改成一个名为维罗纳滩的虚构城市，角色决斗的武器从刀剑变成枪械，而蒙特鸠与卡帕莱特两个家族的对立亦不只是因世仇，更是为了企业战争，采用华丽布景、精致服装与莎士比亚原着古典对白。两部电影均得了许多奖项，但其娱乐价值高过艺术价值，并且因都采用年轻演员，虽然忠于原着，但在观众欣赏的同时，会因其不足的演技影响对作品的审美心态，演员表现力破坏了作品的悲剧性。
迪士尼动画＜狮子王(The Lion King)＞取材自＜哈姆雷特＞，利用了当时先进的动画技术，并且配上宏伟的交响乐，融合非洲当地原始音乐，荣获1994年奥斯卡最佳原着音乐和最佳电影主题曲两项大奖，成为迪士尼动画的里程碑作品之一。后来将该电影改编为音乐剧，当年获得11项托尼奖提名，其中得到包括最佳音乐和最佳导演在内的6项奖项。该剧成就主要为因其初始动画片，主诉客群为孩童，故将＜哈姆雷特＞变更为大团圆喜剧，其中在设定上将人物转变为动物，更是全新的尝试，音乐剧的音乐成就不亚于＜西城故事＞，为另一高峰。但因其已变更了悲剧的本质，动物型态更弱化了对人性的层次刻画，故其除创新之外，总体艺术成就是偏低的。
莎士比亚的作品被改编的情况族繁不及备载，＜李尔王＞本身的电影版就有1971年俄国版、1987年美国版、2008年英国版三个版本，但其改编情况较少，都是维持原着。与上述其他电影及音乐剧的改编案例对比，＜乱＞的改编远比其他作品来得成功，其他作品的成就多在非剧情与艺术型式及手法本身的成功，例如音乐与舞蹈，并且由于＜乱＞电影手法最接近舞台剧，艺术审美价值更高，因此可以说，＜乱＞的悲剧艺术价值是将＜李尔王＞的文学与舞台剧的悲剧艺术，延伸到电影的最成功的典范，是其它改编电影无可比拟的，并且因其揉合日本文化，加入了东方艺术的留白美感与日本民族的精神，创造了与原着不同的悲剧艺术价值。

是北京电影节的倒数第二部影片。之前看过黑泽明的罗生门，然后就凭借着我懒散的性格，没有对此导演再作深究。只知道是数一数二的大师，谢天笑最爱的导演。然后北影节买了票。
我习惯在看某一部电影之前，只对其做非常少量的了解，此次电影节，有很多甚至根本查都不查，看着片名就买票。这部《乱》，我所知道的相关信息只有这样几个：黑泽明，日本，4K修复，好片。然后就抱着这么一个空白的大脑去了科技馆影院。
开头就是一个血红色的“乱”字，笔迹粗粝，直截了当，刺人双目。然后就是打猎饮酒，谈论家事。这里注意到一个细节：虽然三郎最口无遮拦，但是父亲睡着之后，只有他还在担心父亲会被晒到，挥刀砍下树枝，插在父亲身旁作荫凉。从开头就可以看出只有三郎真正关心父亲。然后就是分家业。折箭处，三郎费劲甚至要利用膝盖来折断三根箭时，影院里有小规模的笑声。虽然这个情节可能可笑，但我觉得恰恰是非常悲凉的地方。他可能想借此表达这样一个观点，即：一束箭折不断，不是因为它们有多团结，只是外界力量不够大而已。在乱世之中成长起来的兄弟，又怎么可能会真正团结起来呢？另外两个兄弟，太郎和次郎，虽然在假情假意地自谦和推辞，其实这反而是东方式的一种邀功，可以类比为《李尔王》中，大女儿和二女儿对父王的甜言蜜语。慢着，你说什么，李尔王？
到这里我突然反应过来，一位王者长辈，要将财产分给三个子嗣，这个结构和李尔王非常的相似啊！然而当时我并没有肯定就是李尔王，我一直想的是“这和莎士比亚的一出戏很像啊！叫什么来着？李尔王还是麦克白？可能是李尔王吧？”
然后，果不其然，剧情向着“该莎士比亚戏剧”的方向走去了。武断且偏信的父王将三郎及一位直言劝谏的亲信驱逐了。三郎受人赏识，亲信离开偷偷关心老主公去了。这个地方甚至有一点古代中国的感觉，那种淡泊的告别，那种义气，他们活着并不是为了自己能够存活于世，而是为了忠心，为了义气活着。啊，这种诗一样的价值观，真的只能存活在古代了。
再然后，就是一系列的争夺，一系列的驱逐，一系列的逃亡。老主公被老大逼着签字画押，为了自己的尊严出走大城，心里想着“反正我有地方去，一个儿子不孝，大不了不要，我还有一个呢”（这个心态也是要不得啊哈哈），却不知两位早已互通了书信，串通好了来驱逐父亲。老父的颜面在老大老二处已然丢尽，城门在他身后关上的那一刻，脸上分明是悔不当初的绝望。也许是乱世之中的他，没有管教好乱世之中成长的孩子，也许是他终于洞悉了人性深不见底却显而易见的自私。因为他自己，不也是那样的暴君吗。烧毁别人的城池，杀掉女孩的父母，还要那受害者嫁入自家，每时每刻要她惦记着仇恨。暴戾的基因，实则一直都在的。
而出逃的老主公这时还是那么死要面子，坚决不肯接受老三的帮助，认为自己愧对了他，愧对了唯一一个正直的人，他为此感到惭愧，却因此陷入了更深一层的陷阱。三郎的部下都和他本人一样，忠心耿耿，所以他们抛弃了三城，投奔自己的首领去了。三城被老大占领，老父被诱骗着进入了这座城池。好一招请君入瓮啊。老君一入瓮，外面的人可就开始点火烧水，纷纷拿箭往里插，为的是让这老君死透了好分赃。
但是他们错了。偏偏是求死心最盛的人，毫发无伤。这里的战斗场面不能说燃，但实在是触目惊心。鲜红色油漆一样的血液并不真实，却比真实更可怕。那鲜红色如此刺目，像开头的题字一样，直截了当。
直到后来碰上了鹤丸，当年那场暴君事件的幸存者之一，为了活命被挖掉双眼的人，他给老主公吹了一段笛子。我已记不起旋律，但是那笛声高处刺耳，破音处亦刺耳，处处都是一个瞎子对一生冤屈的控诉。这笛声在凄凉的夜里响起，带着日式独有的单刀直入的感觉，和有如油漆一样的血液，有如开头的题字，都如出一辙地鲜艳刺目。这把笛子，就是鹤丸的魂吧。难怪之后逃亡的时候还执意要回去取。
一直跟在老主公身边的狂阿弥，却一直以一个弄臣的身份，表演着真相。像是个旁白，但是比旁白的形式更加丰满。他想跑，虽然没有人管他，却也跑不得了。他的行为并不像是部下对上司的忠心，而更像是朝夕相处的感情吧。虽然大家都只把他当个小丑，但他对老主公的感情早就成了无可奈何的亲情，想走而走不掉了。
现在我想画风突然转变一下，说一下两个女性角色，大嫂枫和二嫂末。阿末一直都是受害者，自幼父母双亡，还被凶手带回去，只为让她培养出仇恨来。可是她信了佛，以便让自己内心更加平和，其实这也只是她在这个悲惨的世界里寻求的一点心理安慰，不至于让仇恨的情绪毁灭自己罢了。她微笑着对老主公说，我不恨你，其实就是对他最好的反击。后来，她又无端成为了必须死的人，但她直到临死前，还在劝导弟弟信佛。啊，多么善良无辜的一个死者啊。那么阿枫呢，她的第一个镜头出来我就觉得她不好惹，其实也是她，最直接地导致了老大与父亲的争端。渴望对权力的完全掌握，本来是让位于对父亲的尊敬的，但是她，简简单单一句话，就能够把那欲望挑出水面。还有她走路的声音，纱质布料摩擦的沙沙声，隐忍的权威就在那里面。但是我一开始没反应过来的是，她制服了次郎之后，并没有杀他，而是与他发生了关系，确认了自己从属于太郎。我纳了一会的闷，为什么不直接杀掉他呢？后来我明白了，这是那个时代的女人，至聪明的做法。没有人会承认一个女人的权威，而她作为一个古代的夫人，也并没有其他的资源可以来达到她的目的。她有一身的功夫，但是那些只要制服最大的当权者就够了，自己的美色，是最有力的资源。于是她在各种软磨硬泡之下，得以让次郎起了杀掉阿末的心思。但是迎来了一位忠臣的侮辱。看到那个石头狐狸头（明明是微笑的狗头好吗！）时我分分钟想笑场，这道具做得，简直表情包大帝啊！（好吧这才是画风的转变）
后面的事情，简略说明的话，就是主公跑丢，三郎寻父，三方混战，太郎被杀后阿枫假归顺，真实意图暴露后被杀（鲜血喷墙什么的真的特别震撼），三郎寻得老父，凯旋归来之时突然被刺，老父伤心离世，次郎孤军一支只能等死。三郎被刺，主公发疯之时，旁边的随从向天拷问，但是老天爷能做什么呢？这种“问天”的感觉，特别有莎士比亚的气质。那一段真的是对全片最佳的总结了。老天啊，他不是教我们自相残杀，他在天上看着我们，地上的人自相残杀，他却无能为力！这世上的所有人，为什么都在争夺痛苦，为什么都在争相死去！你看看那座城池，那里面的人正在争夺死亡，争夺痛苦啊！
果然是一出宏大的历史悲剧，很验证了我之前认为它类似于“该莎士比亚戏剧”的想法。所谓的“最后每个人都死了”。段子一样的语气，表现残酷的现实。最后一个镜头特有诗意，然而也格外让人唏嘘。本是凯旋的队伍，返回时却成了送葬的队伍，山上有一个影子，看起来疑似一个人影，镜头拉近之后，发现那确实是一个人。是又一次从一场灾难中幸存下来的鹤丸。他拿着拐杖小心翼翼地前探，发现自己已经到了悬崖边上，又赶紧回身。慌乱之中，手中的佛像掉下悬崖了。那尊佛像在影片中不时出现，许是想要表达“人世的苦难，神也无能为力”吧。鹤丸呆立风中，镜头拉远，结束。
结尾我几乎忘记了鼓掌，因为这个尾收得，实在是在意料之外，想想却又觉得十分合适。格外有一种日式的诗意。同样的诗意还表现在配乐上。表达凄凉情绪的笛声，表达紧张场面的鼓声，简单又恰到好处。尤其是那个鼓声，我觉得《爆裂鼓手》和《鸟人》的配乐似乎有吸取它的地方，和它有相似之处。
趁着刚刚看完的鲜活感受，就先写这么多吧，非常震撼的，宏大又诗意的悲剧。